Make Paris Great Again by Chanel

En 1930 Hemingway olvidó en hotel Ritz de París un portaequipajes de Louis Vuitton. Éste dormitó en el sótano del edificio durante más de veinte años hasta que su legítimo dueño pudo recuperarlo. Cuenta la anécdota que Hemingway estaba comiendo allí cuando un responsable de hotel se acercó y le informó sobre la existencia del portaequipajes, que fue rescatado de las entrañas del hotel. Dentro se hallaban las notas autobiográficas que se convertirían en el título póstumo del escritor, Paris est une fête (París era una fiesta, en la versión en castellano).

El 13 de noviembre de 2015, 50 años exactos después de la publicación de la última obra de Hemingway, el corazón de la capital francesa sufría el peor ataque terrorista de su historia. Como respuesta al estremecimiento que recorría el país, el título de Hemingway sería reivindicado como recordatorio necesario de la auténtica identidad parisina, tan ligada a la libertad individual y artística, sensible a debilitarse por el miedo. Paris est une fête fue escrito en los tiempos en los de Gertrude Stein, Ezra Pound o Scott Fitzgerald, y alrededor de estas figuras retrata el pulso de la ciudad en los años 20.

Creo que me repito constantemente en las entradas de este blog defendiendo el carácter político de la moda, y la mayoría de las veces pienso que la claridad del mensaje se diluye en las palabras. Cuando digo que la moda es política pienso en las relaciones socioeconómicas que se derivan de su proceso de diseño, y de la gestión de su producción, cómo el derecho internacional y el mercado influyen en ella desde que un diseñador belga con formación de arquitecto rasga el papel con el lápiz, hasta que en rebajas las prendas de Inditex alfombran el suelo de sus establecimientos. Pero también en cómo cada ciclo de la moda se inscribe en un contexto histórico e interactúa con la sociedad de su época, o mejor dicho, sirve de modo de interactuación para la sociedad de su época. Pero también existe la posibilidad de que la moda tenga intencionalidad política de forma deliberada.

Karl Lagerfeld decidió convertir Paris Cosmopolite, la colección Pre Fall 2017 de Chanel, en una reivindicación de la esencia parisina entendida como la alegría del lujo, el orgullo de lo elitista y exquisito. Escogió el hotel Ritz, como escenario para su presentación. Un lugar que no sólo sirvió para almacenar la obra de Hemingway, sino que fue casa de Gabrielle Chanel durante más de treinta años hasta la fecha de su muerte. Al hacer regresar Chanel al Ritz, Lagerfeld le hace volver al hogar, reclama una parte de su identidad para una colección que es un auténtico himno nacional en contra del miedo, una llamada al orgullo parisino, al lujo, la sofisticación y la alegría del chic parisino.

A veces el azar funciona así. Dos textos, el de Hemingway y la colección de Lagerfeld, que sirven a un mismo propósito; insuflar aliento al carácter parisino, y que nacen, por casualidad, en un mismo lugar, el hotel Ritz. Y así, Chanel era también una fiesta. Una fiesta con música, baile, con varias generaciones de modelos en un casting que reflejaba la intención de Chanel de encarnar el signo de un tiempo cambiante. Una intención que no estaba tan clara en las prendas, que se valían de las viejas siluetas de los años 20 y 30, de una sofisticación anticuada, para romper una lanza por el París de hoy.

Los tiempos cambian, así lo hacen también las ciudades y el concepto de lujo. Tal vez París también merezca sobrevivir a su propio retrato de elegancia, identificarse con su imagen contemporánea, que se le reconozca su valor en el mundo de hoy, no en el de antaño. Chanel, sin embargo, parece haberse quedado por detrás de esta ola. Su gramática está prestada de otra época, la silueta ignora al cuerpo y sus necesidades, permanece inmune al movimiento. Algunas salidas parecen obras pictóricas, retratos de nobles del siglo XVI, como Isabel Clara Eugenia sepultada bajo capas de tejido, color negro y perlas en un retrato de Rubens.

Chanel Métiers d'Art 2016
Chanel Métiers d’Art 2016
Hace tiempo, desde que Chanel adquiriese los talleres de alta costura ya en tiempos de Lagerfeld, que su moda se basa en el virtuosismo de las manos de sus artesanos. La necesidad del manierismo, casi a extremos de horror vacui, los bordados maravillosos, las incustraciones y los brochados, precisan de telas gruesas y rígidas que soporten su peso. Los tejidos acaban haciendo un efecto pantalla, que oculta el cuerpo y que se aleja de los cánones de liberación femenina y comodidad que inspiraron la moda Chanel en sus albores.

Enfrascada en sus propios códigos, en una revisión infinita, parece no hacer pie en la realidad del mundo. Lagerfeld, que nació en Hamburgo tres años después de que Hemingway olvidase su equipaje en el subsuelo del Ritz, lleva más de treinta al frente de la dirección creativa de la maison. Es un hombre de orígenes acomodados, culto, letrado, excelentemente asesorado, y todo un superviviente. En un tiempo en el que las relaciones son frugales entre diseñadores y firmas, no hay nadie que parezca poder apartarlo del que es probablemente el trono más codiciado y exigente de la industria de la moda. Todo a pesar de las palabras del presidente de moda de la maison, Pavlosky, quien ha declarado que la firma necesita más agilidad para afrontar los cambios del mundo actual, después de una bajada de las ventas en el mercado europeo tan sólo compensada con la apertura al mercado asiático. Dicha apertura basó la globalización de los precios de Chanel en una igualación por arriba de los precios en el mercado europeo. Unas decisiones que tal vez sólo serían posibles gracias a la independencia de la firma en su gestión, en una época en la que casi todas las marcas premium o de lujo pertenecen a grandes holdings de lujo que dirigen sus actividades y estructuras corporativas.

Un superviviente a pesar de que los rumores de su inminente retirada sacuden las redacciones de moda, que acumulan decenas de borradores para cubrir el acontecimiento. Todos pensamos que sería Cuba la fecha indicada, el primer desfile de la firma en la isla, coincidiendo en el tiempo con la retirada del bloqueo económico por parte de Estados Unidos. Pero nos equivocamos. Lagerfeld ha sobrevivido también a Fidel, y no parece pensar en la jubilación. Se mantiene a flote en estos tiempos convulsos y de crisis sociopolítica, intentando asimilarlos y hacer que Chanel siga significando algo en ellos. Pero que la nueva etapa de la historia se haga factible en el mundo de la moda pasa, necesariamente, por el cambio de rumbo en Chanel.

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Make Paris Great Again by Chanel

La transición dulce de Dior

Un entierro digno. Una transición dulce. Es así como la casa Dior quiere pasar el trámite hasta el siguiente gran nombre propio que tome las riendas creativas de la casa, con este desfile de la semana de la Alta Costura de París para el próximo invierno 2016-2017 lo atestigua. Dior quiere seguir cumpliendo con las expectativas mínimas, con el manido concepto de excelencia para su elitista clientela, pero se conforma con el susurro, pasan casi de puntillas las más de cuarenta modelos que calzan sandalias planas en cada salida, no es el momento de apostar por rotundas manifestaciones creativas. Y sin planearlo, al bajar la voz, al pisar con discreción, nace de las entrañas de la maison su verdadera identidad, una nueva dialéctica en la que desarrollar su concepto creativo apropiada para estos días de oleaje. Meier y Ruffieux han enterrado el maestro, han tomado de la mano la firma como si fuese un niño pequeño al que delicadamente ayudan a subir un gran escalón que siempre le ha resultado tortuoso; el de la cohabitación de la mujer en el escenario del siglo XXI.

Christian Dior Couture Fall 2016
WWD.

La abrupta expulsión del gibraltareño John Galliano obligaba a la casa Dior a encontrar contrarreloj una cabeza creativa capaz de sustituirle en las nostálgicas reinvenciones de las colecciones del diseñador. No era tarea fácil. El genio de Galliano provocó lágrimas entre los asistentes con las salidas de algunos de sus desfiles. Arquitectónico, histriónico, complejo y riguroso heredero de la tradición del maestro Dior, recubría de dramatismo la feminidad excesiva. En 2012 la maison cedió a Raf Simons, un diseñador belga de 45 años, el peso y la vertiginosa responsabilidad de adentrar a Dior en el presente, obligándole a lidiar con una familia política dura, la de las veteranas costureras que con sus manos moldeaban los sueños de Galliano para Dior.

Christian Dior Couture Fall 2016
WWD

El pulso de un Simons melómano se deslizó sobre el papel en líneas minimalistas. Quiso croptops y vaporosas faldas plisadas para el clásico New Look y quiso monos espaciales. Conocedor en profundidad de la historia de la moda, tradujo a la gramática contemporánea los miriñaques de María Antonieta en sencillas y gráciles siluetas de blanco inmaculado. Convirtió el pequeño Lady Dior que enamorara a Diana de Gales en un básico indispensable, apropiándose de él y reversionándolo coreado por un aumento en las ventas, y conquistó a la nueva jet set de los jóvenes imperios del software de Austin y Silicon Valley, dotando a la alta costura de la casa de un valor en sí misma como producto, y no como espejismo publicitario con el que despachar perfumes.

Christian Dior Couture Fall 2016
WWD

La historia llegó a su fin en octubre del año pasado. Simons alegó motivos personales, reclamaba tiempo para su propia firma. Las malas lenguas aseguraban que la familia política había ganado, las difíciles señoras que tan claro tienen lo que su casa necesita se harían cargo de la casa hasta que  el próximo creador fuese contratado, sin prisas en llegar a la fecha. A la prensa especializada le sirvió el breve idilio de Dior con la modernidad para hablar de sus recientes temas favoritos: la frugalidad de las relaciones contractuales entre firmas y creadores que impiden solidificar una imagen de marca, la presión sobre los diseñadores, el exceso de trabajo con la multiplicación de las colecciones, y por supuesto especuló con toda la lista de nombres disponibles. De entre todos ellos Maria Grazia Chuiri es el que suena con más fuerza, actualmente la mitad pensante a la cabeza del legado de Valentino.

Christian Dior Couture Fall 2016
WWD

Los valores internos que tomaron el control de la firma bajo las exigencias de mutismo y discreción: Lucie Meier y Serge Ruffieux. A la espera de saber si Chiuri se traerá de casa Valentino la delicada feminidad, la perfección en los vestidos de la ama de casa ociosa wasp que gusta jugar con la multietnicidad, la pareja de diseñadores ha tomado decisiones estéticas que, para el que bien quiera mirar, están tan lejos de los valores fundacionales de la casa como de las renegadas estridencias estéticas. Discreción, sí. Continuidad, puede que menos.

Christian Dior Couture Fall 2016
WWD

Entre los despropósitos del dúo, las sandalias planas, la apretada cintura del New Look de posguerra desciende hasta debajo de la cadera en siluetas más felices y años veinte, más al gusto de Gabrielle Chanel que al del maestro Dior, probablemente. Hay más de los torsos cuadrados de Chanel; de las siluetas a medio vestir de la primavera de Yamamoto de hace unos años, de su elegancia sobria y de su manejo del negro; de las faldas acampanadas de Josep Font para DelPozo; de los drapeados neoclásicos de Madame Grès;más que de la encorsetada reinvención de la identidad femenina de Christian Dior, de esa involución textil hacia la elegancia sufrida que volvió a hacer de la mujer un preñado florero.

Christian Dior Couture Fall 2016
WWD

Puede que el trabajo de Simons, aunque en un tiempo breve, haya servido para instalar unas nociones de modernidad en la histórica firma, o puede que la familia política tuviese razón desde el principio en que sabía mejor que nadie cómo conducir sus asuntos. De una forma o de otra, creyendo en que es o no una transición continuista, el magnánimo sentido de la belleza de Chiuri sólo tendrá dos opciones: caminar hacia delante con el impulso de Simons, Meier y Ruffieux, o mirarse a sí misma, al ego de la creadora que se ha sentado en el incómodo trono de Dior, para lo cual inevitablemente echará la vista atrás, revivirá al maestro en el empeño de honrarlo y superarlo, y acallará la música del presente con el eco frío del espíritu de las feminidades pasadas.

Christian Dior Couture Fall 2016
WWD
La transición dulce de Dior

Lo que Yves hizo por ti (aunque aún no lo sepas)

Enero de 1971. Yves Saint Laurent hace saber al mundo que no quiere seguir diseñando para “millonarias apáticas”. Materializando su deseo en hechos, se mofará de ellas en el desfile de la colección primavera-verano que cerraba la semana de la alta costura de París. Su colección, una moda para la modernidad inspirada en un pasado no lejano, será mal interpretada y sentenciada a convertir a su autor en un mártir, de la pluma de la misma prensa que lo bendijo como el verdadero y último heredero de la alta costura.

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Saint Laurent: Verdaderamente Horroroso (International Herald Tribune), El Diseñador Yves Saint-Laurent Prende Fuego en el Mundo de la Moda  (Lorain Journal), Las Mujeres estarán este Verano… en 1945 (Le journal du dimanche), Saint Laurent: un triste oficio (Le Figaro), Guardando lo Peor para el Final (The Guardian) serán algunos de los titulares que durante los dos últimos días de enero provocarán un linchamiento sin precedentes de la obra de un modisto en las cabeceras internacionales. Sólo Elle, aunque ya en el mes de marzo, se atreverá a titular un reportaje fotográfico “La Liberación de la Mujer según Saint Laurent”.

 

¿QUÉ PUEDE PROVOCAR UN ESCÁNDALO EN MODA?

Al fin y al cabo es sólo ropa. ¿No? La indignación en este caso iba más allá de lo que los actores del negocio consideraron una apología al mal gusto, o de unos centímetros más de muslo de lo habitual; el escándalo tenía motivaciones políticas.

Jane Birkin vestida con la colección de Saint Laurent de 1971.
Jane Birkin vestida con la colección de Saint Laurent de 1971.

No debe de sorprendernos ya en absoluto el carácter político que encierra la moda, del que ya hablamos anteriormente en The ThuNNder. Como elemento cultural, la moda se encuentra dentro de un sistema económico y político concreto. En este contexto, puede desempeñar una función integradora o bien trasgresora. Saint Laurent, poniendo la vista en el doloroso pasado de la ocupación nazi, empujó la moda de su tiempo varias décadas hacia delante. Y como al arrastrar una pecera algunos centímetros sobre una superficie lisa, al detenerse el agua quedó tambaleante en su interior durante segundos, y los pececillos incapaces de impulsarse con las aletas mientras intentaban asimilar el trauma del brusco cambio.

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La crítica que más duele es aquella que nace del corazón del sistema. Saint Laurent, el designado príncipe heredero de la última generación de modistos, desafió la confianza de los que ablandaron su trono. Su colección fue tildada nostálgica de los años de ocupación. ¿Su perdición? Negar dos máximas: el derroche en tejido y las líneas ambiguas de la silueta evasiva del futurismo años 60 a la que él mismo había contribuido. La austeridad en tejido y la simplificación de los patrones evocó la escasez, el racionamiento y la opresión del París ocupado. Los tejidos pegados al cuerpo, las faldas cortas y las formas rebosantes de sensual femineidad, transportó al estilo de las prostitutas de Pigalle a las clientas y periodistas presentes en el desfile.

La broma era dura y de mal gusto, pero a los precios de la alta costura ya se hacía inadmisible.

Anjelica Huston para Vogue Italia.
Anjelica Huston para Vogue Italia.

¿POR QUÉ 1940 EN 1971?

Con la industria textil totalmente paralizada, la mujer del París ocupado tomaba la chaqueta de su marido, padre o hermano ausente, la reajustaba en casa para adaptarla a su cuerpo y salía a la calle con ella puesta, a ocupar el lugar el mismo lugar que éste había dejado. En una sociedad que sobrevivía con mujeres reemplazando a los hombres en su puesto de trabajo, la chaqueta, arreglada para la nueva inquilina, se transformaba en una dolorosa metáfora.

Las faldas se acortaron. No había suficientes metros de tela. El pelo era escondido dentro de un turbante por una mujer con la suficiente arrogancia como para negarse a mostrar su cabello al invasor.

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Quienes lo habían vivido querían olvidarlo. Por lo que padecieron, o por lo que se acercaron al invasor. Por eso la moda europea abrazó con entusiasmo la costura derrochante del joven Christian Dior, con sus corsés, sus estructuras pesadas y las faldas de un vuelo de casi 20 metros inspiradas en los pétalos de las flores. Flores para ellas. Flores para olvidar.

Sin embargo las chicas jóvenes que no habían conocido esa época ansiaban recuperarla. Sólo habían asistido a ella a través de la ventana del cine, y les seducía el glamour de una femme fatale distante, segura, magnética. Así lo reconocía Paloma Picasso, la única musa de Saint Laurent, que con sus labios rojos y su ropa de segunda mano del Mercado de la Pulga influyó en la transformación de la obra del diseñador.

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Cuando Saint Laurent presentó la Colección del Escándalo mayo del 68 estaba en la memoria reciente de todos. Había un deseo palpitante en las juventudes francesa e inglesa de diferenciarse de la generación de sus padres, de rechazar su hipocresía. Los colectivos feministas reivindicaban una posición de la mujer en la sociedad paralela a la breve fantasía de la ocupación, en la que los trabajos tradicionalmente masculinos ya no entendían (no podían hacerlo) de sexos. En 1970 la revista GQ realizaba su defensa de la contracultura: la música y la moda se convertían en los ejes de la revolución de la juventud, una vez atravesado el filtro que la hacía comercializable.

QUÉ SUPONE PARA TI LA COLECCIÓN DEL ESCÁNDALO

Saint Laurent definió de forma definitiva el recorrido de la moda moderna. Una moda de la calle y para la calle. Dejó fuera de la ecuación a sus clientas y se sensibilizó con el deseo de las chicas de su tiempo: les dio la moda que necesitaban para convertirse en las mujeres que querían ser. En definitiva cambió el sentido vertical de la comunicación, materializando un deseo que no se encontraba en la élite en la que se movían sus clientas sino en una juventud que compraba en mercadillos.

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Con esta colección el modisto terminó de dar sentido al prêt-à-porter. La caída de París como establecedor de tendencias después la ocupación alemana era terminante. La moda se había despolarizado. Estados Unidos, antes tímido seguidor, ahora había recogido el testigo y había cambiado todo el sistema. Con la aplicación del fordismo a la producción de moda, el auge de los centros comerciales y la comercialización de las prendas sueltas avanzaron una moda de los nuevos tiempos. El nuevo sistema de producción en masa y acelerado avecinaba un público diferente, la primera fase de su democratización estaba en marcha.

Eugenia Sheppard tenía 69 años cuando escribió para el Herald que la colección de Saint Laurent era horrorosa. El problema es que en ese momento fue incapaz de comprender que no se había hecho pensando en ella ni en el criterio de las mujeres de su quinta.

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Lo que Yves hizo por ti (aunque aún no lo sepas)

Cuando la Moda se Vuelve Política

Jera no volverá a desfilar en París. Dentro del negocio dudan incluso que el modelo vuelva a pisar una pasarela. La causa, una pancarta escondida en su salida durante el desfile de primavera-verano ’16 del diseñador Rick Owens. “Please kill Angela Merkel –Not” han sido las palabras que han desencadenado el escándalo y por las que Owens dice no querer volver a contar con el que ha sido su musa durante más de diez años.

WWD.
WWD.

¿QUIÉN CREE A RICK OWENS?

Un gesto político, una provocación, o un desvarío de una personalidad inestable como todas las declaraciones de las personas relacionadas con Jera (su agencia, el propio Owens) quieren indicar. Lo cierto es que no es la primera vez que un desfile de Rick Owens levanta polémica, su anterior colección, inspirada en las películas de submarinos de los años 50, causó un absurdo escándalo por dejar a la vista los penes de algunos modelos. Algunos comentarios, tweets y crónicas convirtieron a sus autores ese día en niños de parvulario. Pero al margen de eso parece ya una norma que por un motivo y otro la atención en los defiles de Rick Owens se desvíe de las prendas a otros temas.

En el calor del momento, tras la salida de Jera, un nervioso Rick Owens perjuraba a WWD que él no había tenido nada que ver con la el mensaje de la pancarta de Jera, que él mismo le había propinado un puñetazo al descender de la pasarela. Un gesto de heroicidad que salva su distancia respecto a un escándalo con contenido real, más allá del rubor adolescente de ver penes sobre la pasarela, con contenido político. Y sin embargo un gesto irónicamente relacionado con la propia colección, que pretendía versar sobre la violencia masculina.

Karl Lagerfeld's Chanel catwalk show.
Desfile de Chanel, 2014.

LA MODA POLÍTICA

En septiembre del año pasado Lagerfeld le dio una pancarta a Delevingne, un megáfono a Crawford, y montó sobre la pasarela un divertido teatro (homenaje, parodia, tal vez ambas a la vez) de manifestación feminista. En el contexto de la última despolitización del feminismo Lagerfeld recogía el eco del fuerte latido que en las redes sociales supone la última revolución sobre género e identidad. Como los espacios institucionalmente habilitados para el graffiti, una pancarta en ese contexto, bajo el ala del nombre de Karl Lagerfeld, pierde la fuerza del contenido político en su legalidad y previsión.

Puede que la hazaña de Jera nos recuerde a una pobre imitación de Lagerfeld, con bastante menos gusto para muchos, o puede que nos lo tomemos como un acto de protesta cercano al espíritu punk. Pero llevar mensajes no abstractos a la pasarela es difícil. La costura es un arte y porque es arte es negocio, y en un contexto en el que se manejan cifras abultadas no es aconsejable tomar posiciones políticas, ni sacar ciertos temas. El problema es que el textil no necesita de pancartas escritas para posicionarse. La moda en su esencia nunca es políticamente neutra.

Saint-Laurent, 1971.
Saint-Laurent, 1971.

No hace falta irse a casos evidentes, como lo es recordar que toda reivindicación política tiene una salida a través de la indumentaria (pensemos en la palestina, los vaqueros caídos, el camuflaje, las botas militares), o que otras posiciones políticas socialmente más legitimadas la emplean también para identificarse (polos y náuticos no son santo y seña de cualquier individuo).

La colección de Yves Saint-Laurent del 71 provocó su linchamiento mediático por considerarse nostálgica de los años de la ocupación nazi. Evidentemente sin esvásticas a la vista (Saint-Laurent nunca fue por ahí) sino por líneas sencillas y una cantidad de tejido austera. Antes de esto la colección Corolla de Christian Dior fue una protesta contra la austeridad que regía Europa tras la segunda Guerra Mundial: una llamada a las mujeres a enarbolar su feminidad con las formas de las flores recreadas en faldas de excesivos metros de tela. Y antes de esto Coco Chanel renovó el concepto de feminidad librándolo de la dictadura tiránica del corsé, inventando una nueva silueta para las mujeres.

La moda es identidad y aflora en los individuos en forma de huellas de género, de origen, de sensibilidad. Es un gesto silencioso y elocuente a la vez imposible de frenar. Estética y pensamiento siempre serán caras de una misma moneda y el espíritu de una época y los cambios que avecina siempre se liberarán antes en sus formas visibles, y la moda es una de éstas. Ni Stella McCartney, ni Marc Jacobs, ni sus siluetas voluminosas y cercanas al unisex se libran de esto.

Jera habrá querido decir algo. O puede que en realidad no. No es importante. La forma en la que se ha sofocado su gesto por parte de todos los actores del negocio, es la que realmente ha hablado por sí sola.

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Cuando la Moda se Vuelve Política

Jean Paul Gaultier: 40 años de trasgresión

Jean Paul Gaultier (Acueil, 1952) desfila por primera vez en París en el año 1976. Deja atrás así las horas perdidas en el salón de belleza de su abuela, las múltiples pruebas de vestuario en la confección de modelos para su osito de peluche Nana y los envíos de bocetos a modistos consolidados como Yves Saint-Laurent abocados a respuestas negativas. La asistencia es escasa. Como él mismo reconoce, aunque le sobraban ganas, le fallaba la estructura.

Es Dianne Benson, propietaria de la neoyorquina boutique Diane B., la que apuesta en los años 80 por la distribución de piezas de diseñadores más experimentales como Miyake, Kawakubo en Comme des Garçons, o el propio Gaultier. Será cuando Benson encargará a la artista Cindy Sherman una serie de fotografías para Interview con la ropa de estos modistos. En ellas, convertidas en las primeras fotografías artísticas inspiradas en la fotografía de moda, Sherman trasgrede las convenciones de la prensa femenina desde un tono crítico y el humorístico.

Sans Titre 131. Cindy Sherman para Interview.
Sans Titre 131. Cindy Sherman para Interview.

40 años más tarde el Grand Palais de París rinde homenaje al modisto en una extensa exposición retrospectiva articulada a través de salas interactivas (desde bolas y música de discoteca, a maniquís que hablan y  se quejan). El evento no está fuera de lugar, en pleno 2015 y con el diseñador exclusivamente dedicado ahora a la alta costura (hace ya una temporada que abandonó el prêt-à-porter en una sonada celebración con todas sus musas sobre la pasarela), no se puede dejar de lado lo que la obra de Gaultier ha supuesto para el imaginario visual cultural occidental y para la identidad femenina en particular.

MODISTO POSMODERNO

Según nos instruyen en las aulas, la Posmodernidad fue por primera vez definida por François Lyotard como la caída de los Grandes Relatos. Es decir, la pérdida de su capacidad de convicción por parte de las tradicionales explicaciones del mundo como la religión o las ideologías.

Un mundo que cuestiona sus anteriores polos no sólo roza el nihilismo, sino que experimenta la desvirtuación de su simbolismo tradicional para atravesar una trasposición y desestigmatización de los códigos estéticos.

¿Qué tiene todo esto que ver con Jean Paul Gaultier? El modisto francés ha convertido su carrera en un experimento de reversión de códigos. Desde la resemantización del corsé a la falda masculina. Gaultier no ha dudado en hacer suyos elementos mitológicos como la sirena o la imaginería cristiana como la misma madre de Cristo.

Kylie Minogue vestida por  Gaultier por William Baker. Colección Les Vierges.
Kylie Minogue vestida por Gaultier por William Baker. Colección Les Vierges.

Su colección Las Vírgenes se sirve de la tradición de representación iconográfica de la Virgen María para crear delicadas túnicas, estampadas, bordadas, con estructura de armadura y recreación en el potencial sugestivo de la sangre de su corazón sagrado. Así, Gaultier efectúa el descenso del altar de la Virgen a icono de la cultura pop mediante la revisión de su indumentaria. Presta al escándalo, la colección levantó la ira de los irascibles sectores habituales y sedujo la atención de divas fieles al modisto como Kylie Minogue y Madonna.

CUESTIÓN DE GÉNERO

Tomando inspiración de individualidades singulares Jean Paul Gaultier crea su propia utopía: la libertad de cada uno para ser quien de verdad quiere ser. La moda es, ante todo, una cuestión de identidad. Gaultier lo sabe y por ello ha dedicado su carrera a trasgredir las semánticas tradicionales de la indumentaria.

Milla Jovovich vestida por Gaultier por Peter Lindbergh para Vogue Italia.
Milla Jovovich vestida por Gaultier por Peter Lindbergh para Vogue Italia.

Así lo hizo con el corsé, elemento característico de la represión secular femenina. Reinventándolo en unas estructuras respetuosas con el cuerpo y colocándolo sobre hombres y mujeres. La prenda se transforma, sale a la superficie y con unos punzantes pechos puntiagudos que marcaron la gira de Madonna de 1990, se transforma en una advertencia de peligro. De pieza de violento sometimiento al canon de belleza, a estandarte del empoderamiento femenino.

Lo mismo ocurre con la falda masculina, una constante en las colecciones de Gaultier. El modisto denuncia que hay aún en la moda códigos y clichés que no corresponden a nuestra época. Contra esta incriminación al hombre que se apropia de sensibilidades atribuidas a lo femenino, Gaultier crea su colección L’homme moderne.

Otra forma de reforzar su posición respecto a este tema es su gusto por las modelos y musas atípicas. Siempre trasgrediendo los cánones de belleza Gaultier quiere vestir a Conchita Wurst, Rossy de Palma o Bimba Bosé. Demuestra así que la belleza tiene múltiples posibilidades no contempladas, y que la moda sólo puede progresar si consigue dar salida a la necesidad del ser humano de revelar su subjetividad.

Björk vestida con la colección Les Vierges de Gaultier por Jean Paul Goude.
Björk vestida con la colección Les Vierges de Gaultier por Jean Paul Goude.
Mariano Vivanco para Gaultier. Colección Les Sirènes.
Mariano Vivanco para Gaultier. Colección Les Sirènes.

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Jean Paul Gaultier: 40 años de trasgresión

Último artículo (Harlan Magazine): Cuando otro es mejor tú que tú

Una vez más tengo la suerte de poder publicar en Harlan Magazine un nuevo artículo sobre moda y alta costura. Es una suerte porque no todas las revistas culturales están dispuestas a incluir la moda entre su repertorio temático. Habitualmente se le niega por desconocimiento su condición de arte o incluso, y aunque parezca básico, la de elemento cultural. En el artículo analizo en detalle los desfiles que pudimos ver en la última Semana de la Alta Costura de París y reflexiono sobre la necesidad que tiene el sector de no dejar de plantearse retos creativos.

Desfilar en la Semana de la Alta Costura de París es caro. Muy caro. Pero es la primera forma de dar a conocer unos productos que por su proceso de fabricación y su exclusividad son también muy caros. No todo el mundo puede permitirse jugar en este campo y por eso una vez que te has hecho con tu puesto, nadie quiere arriesgarse a que la nueva colección no funcione.

Desfile de Karl Lagerfeld para Chanel. GETTY IMAGES.
Desfile de Karl Lagerfeld para Chanel. GETTY IMAGES.

Sin embargo existe una necesidad de compatibilizar esto con una renovación del sentido de la moda constante. La alta costura es también el terreno indicado para imaginar y crear sin restricciones creativas, dando así una forma concreta a ese valor intangible que es la identidad de la firma.

Se suma una presión añadida cuando se trata de diseñadores que llevan el timón creativo de históricas maisons cuya historia excede las colecciones que ellos firmarán. Una presión por no sacar los pies del tiesto y que nadie considere que has perpetrado la idiosincrasia, cuando simultáneamente todos parecen pedirte que adaptes con tu sello personal el espíritu de la firma a los tiempos actuales.

Temporada, desfile, colección. Líneas rojas que se conservan aún en estos tiempos de digitalización e industrialización de la vida diaria en los que el sistema de la alta costura poco tiene que ver ya con sus orígenes. El creador del concepto fue el inglés Charles Frederick Worth, y fue en su estudio parisino donde nació. Él creó el concepto de temporada, para cada cual renovaba su oferta con una nueva colección e invitaba a venir a las damas de la alta sociedad parisina para que asistiesen a un desfile donde se les hacía testigos de una muestra de las últimas tendencias que había creado. Una técnica de marketing en aquel momento novedosa que hoy ha devenido en el sector que conocemos.

Vestido de alta costura por Charles Frederick Worth.
Vestido de alta costura por Charles Frederick Worth.

En los últimos años los críticos se felicitaban por un nuevo rumbo de la alta costura. Las prendas adoptaban un sentido más pragmático que se traducía en ventas y  en un balance rentable. Algo que la alta costura, al borde del encefalograma plano en términos económicos, había sido incapaz de alcanzar en un largo período. El hermético circuito se abrió tímidamente dejando hueco a nuevos nombres y además las grandes maisons se responsabilizaron de rescatar los antiguos talleres, poniendo en un primer plano la técnica artesanal.

No obstante en muchos sentidos se trata de un sector estancado, que apenas arriesga y no mira no ya hacia delante, sino simplemente a su alrededor. Se mantiene ajeno a las últimas posibilidades, a los discursos más atrevidos que nacen en el propio terreno de la moda o bien del arte contemporáneo. No sólo en un sentido técnico, pues ya veíamos en el anterior artículo en blog cómo Iris van Herpen trabaja con impresión 3D o dispositivos motorizados. Sino también en un acomodamiento estético en ideas que funcionan. Creo que es importante no perder de vista que estamos en un territorio de carácter artístico, y como tal ser conscientes de las opciones, posibilidades, narrativas o conceptos que nos brinda nuestra época.

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Último artículo (Harlan Magazine): Cuando otro es mejor tú que tú

Iris van Herpen: El apagón analógico del diseño de moda

“Hubo flashes lucidez (…). Pero van Herpen tiene aún que esbozar una visión clara de cómo trasladar sus ideas conceptuales a una marca viable de pret-à-porter.” Era una sentencia difícilmente reversible con la que Joelle Diderich cerraba su crónica del desfile de la colección Hacking Infinity, presentada por Iris van Herpen en el marco de la semana de la moda de París, para Women’s Wear Daily,el que podríamos llamar New York Times del mundo de la moda.
Los volúmenes redondos que envolvían el cuerpo de las modelos, el acero transparente y ondulante sobre sus torsos y los pliegues y los puntiagudos intrincados resultantes de la impresión 3D, habían acabado por convencer a la periodista de que, si bien aquello también era moda y como tal era válido, no cumplía como colección de ready to wear. Lo que diferenciaba a las prendas de van Herpen de piezas de museo o de un experimento de ciencias amateur era la falta de salidas en el mercado, o lo que es lo mismo, que alguien quiera vestirlas.

Iris Van Herpen RTW Fall 2015
Fotografías correspondientes a la colección Hacking Infinity por Giovanni Giannoni para WWD.

Voz experta y con derecho a expresar cualquiera que fuese su opinión, Diderich no estaba haciendo más que ponerle puertas al campo. Nada raro por otra parte, que la voz de la racionalidad emerja recordando criterios básicos de mercado cuando en cualquier tipo de arte alguien lleva las cosas un paso más allá del habitual.
Hacking Infinity es a priori una colección hermética y poco intuitiva que desarrolla el concepto de terraforming, proceso mediante el cual se transforma la biosfera de otros planetas para hacerla similar a la de la Tierra. En la primera pieza de la colección se encontraba el embrión de la idea, un top transparente de acero se arrugaba formando ondas brillantes, a conjunto, una falda blanca modelada mediante impresión 3D con un intrincado de panel de abejas. He aquí los dos elementos que llevaríamos en primer lugar a terreno extraterrestre para reproducir las condiciones de vida terrícola: el agua y nuestra tecnología. Como resultado, un futurismo aséptico propio de la que es diseñadora de Björk (arte y gira del álbum Biophilia y el recién estrenado Vulnicura). A medida que avanzaba la colección se alternaban vestidos, monos y conjuntos de dos piezas de orientalismo minimalista con vestidos de cocktail más complejos realizados mediante impresión 3D.

Iris Van Herpen RTW Fall 2015
Primera pieza de Hacking Infinity.

Y es que la holandesa diseña para el futuro. Resulta difícil creer cómo, con la tecnología ya desarrollada, el diseño mediante impresión 3D no está más extendido. Más aún en alta costura, donde por el contrario la preocupación más reciente ha sido salvar del naufragio los talleres de artesanos y las técnicas más tradicionales (sirvan como ejemplo Chanel y Valentino).

“No hay implicación de las manos en todo el proceso salvo el trabajo por ordenador. Pero para mí la técnica es tan inspiradora que puedo crear más formas y complexiones distintas que cuando trabajo con mis manos”

Explicaba van Herpen en una entrevista para Interview Magazine. Seguramente, como ocurre en otros campos como la fotografía o la ilustración, habrá afrontado críticas acerca de cómo la producción de moda por medios digitales no merece tal nombre.
La impresión 3D hace a Iris van Herpen trabajar en colaboración con artistas de otras disciplinas como arquitectos. Su moda es realmente transdisciplinar. Estas colaboraciones surgen de su curiosidad por la ciencia, el estudio del universo, las partículas subatómicas, y también por el desarrollo de nuevos tejidos, un trabajo de experimentación que le ha llevado a reinventar la materia de la moda, y renovarse así en cada nueva colección. Iris van Herpen ha esculpido vestidos, moldeado por medios digitales, incluso instalado dispositivos motorizados en sus prendas, y aún así el resultado siempre transmite dinamismo puesto que a ella lo que le interesa es el movimiento, tal vez porque su primera vocación fue convertirse en bailarina.

Iris Van Herpen RTW Fall 2015
Es evidente que van Herpen no es una diseñadora al uso. Sus creaciones propician antes colecciones en museos de arte contemporáneo como la que alberga actualmente el Palais de Tokyo en París, que una colaboración con H&M. Es por ello que medios como el WWD le hayan podido restar en algún momento algo de credibilidad, pero sus prendas no dejan de ser menos pragmáticas sólo porque ellos lo hayan decidido así. Es lo que ocurre en cualquier forma de arte cuando uno se sale de la convención. Como estudiante de Comunicación Audiovisual he podido comprobarlo en el cine, donde hay ciertas normas (de eje, de montaje, incluso de conceptualización de una idea) que te presentan como inquebrantables. Desde la escuela te niegan las demás posibilidades (que tal vez se pueda hacer una película sin filmar nada, que tal vez el celuloide no esté para filmar sino para arañarlo y perpetrarlo, que tal vez la tolerancia visual de los públicos tenga unos límites mucho más amplios de los que desde la Academia se les atribuyen).
Van Herpen ha tenido también diferencias con la academia. Ella no hace guiones. Es decir, no hace mood boards, ni si quiera diseña figurines. Sobre su forma de trabajar explica:

“La forma tradicional de diseñar que aprendes en la academia (primero haces un dibujo, luego encuentras tus materiales, después comienzas a crear) es un proceso muy aburrido para mi; sabes cuál va a ser tu colección cuando comienzas a producirla. La forma en la que trabajo tiene mucho que ver con la experimentación. Tengo algo en mi mente, y a menudo viene de un material. Mayoritariamente comienzo buscando materiales que me gustan, o los desarrollo por mi cuenta en el taller.”

De momento Iris van Herpen es un bicho raro en el mundo de la moda. Por el desarrollo de las tecnologías digitales todo parece indicar que el tiempo acabará por darle la razón y más diseñadores entrarán en este tipo de dinámicas de creación y producción. Por el momento, sólo otros bichos raros, extraordinarios bichos raros por otra parte, como Björk, y las esferas de arte contemporáneo, lucen y se hacen eco de su trabajo más allá de las pasarelas. Sin embargo es de la mano de diseñadores como van Herpen, como en su día lo hizo Issey Miyake, como la moda avanza realmente y explora terrenos nuevos más allá del bucle temporal de tendencias que la caracteriza. Más que una diseñadora de vanguardia como la han llamado en varios medios, su precocidad frente a sus colegas hacen de Iris van Herpen una diseñadora del siglo XXII.

Iris Van Herpen RTW Fall 2015

Iris Van Herpen RTW Fall 2015 Iris Van Herpen RTW Fall 2015

Iris van Herpen: El apagón analógico del diseño de moda